Y seguimos con los revivals. Cualquiera que esté medianamente al tanto de la situación musical en la actualidad, puede estar potencialmente harto de encontrarse prácticamente casi de continuo con bandas que aparentemente no hacen más que “honrar a las agrupaciones más clásicas de la historia”. Y no deja de ser cierto (y necesario), pues esta industria no debe ni puede permitirse vivir únicamente de fenómenos visionarios como Sufjan Stevens o LCD Soundsystem, por poner algunos ejemplos. No obstante, hay muchas maneras de asimilar un conjunto de influencias, y si cuentas con el talento y la originalidad suficiente será difícil que se te achaque y se te penalice por un parecido con x banda, por muy evidente que sea. Se trata del caso que nos ocupa, el de estos cuatro chicos provenientes de la soleada Florida que debutaron hace algo más de un año con un notable Astro Coast que los hizo entrar en esa espiral (Myspace, Pitchfork, gira mundial…), que ya todos conocemos perfectamente en la que entran todos los grupos noveles que se estrenan con un trabajo medianamente interesante y que reciben una publicidad adecuada.

Nada nuevo pensarán algunos, a los que los simpatizantes del cuarteto deberían contraatacar aludiendo a que algo tendrán estos Surfer Blood cuando a día de hoy se encuentran embarcados en una gira a lo largo y ancho de los Estados Unidos con ¡sorpresa! sus adorados Pixies, algo que parece hecho adrede, pues tendríamos que emplearnos a fondo para dar con un conjunto con el que las guitarras noventeras de estos veinteañeros presentasen más similitudes. Tarot Classics es ese típico y cada vez más de moda EP de no más de seis temas que funciona como el puente perfecto para saciar parcialmente las expectativas entre tu debut y tu segundo trabajo, permitiendo además mantener la atención hacia tu grupo hasta la próxima publicación. Así de primeras nos podemos encontrar recientemente con el ejemplo de Girls con su fantástico “Broken Dreams Club” o de los Pains of Being Pure at Heart y su “Higher Than The Stars”, dos casos de denominador común al que nos ocupa. Estrictamente, lo que aquí nos encontramos son cuatro canciones como cuatro soles que podrían haber formado parte de su aclamado Astro Coast, pues nadie se atreverá a negar el gancho evidente de la melodía tan simple como efectiva de “I’m not Ready”, el poso noventero adolescente de “Miranda” o de ese temazo que es “Voyager Reprise”. Se incluyen además dos remixes de “Drinking Problem” a cargo de la gente de School of Seven Bells o de Peggy de los ya mencionados Pains.

Tarot Classics nos devuelve a los Surfer Blood de hace algo más de un año, unos jovencísimos músicos que pese a haberse pasado los últimos meses girando casi de continuo y haber recibido elogios a diestro y siniestro no parecen haber perdido el norte de su carrera musical, algo que no resulta tan fácil como parece. Así lo demuestran los cortes que aquí se incluyen, canciones que poco tienen que envidiar a las de Astro Coast, y que si todo sigue por el mismo cauce, deberían marcar la pauta por la que se moverá su, desde ya, esperado segundo trabajo.

NOTA:  7

Tarot Classics en Spotify

A Sharon Van Etten la descubrimos casualmente hace unos meses cuando sondeábamos el last.fm en busca de artistas similares a una de nuestras obsesiones de esta temporada, Wye Oak. Dimos con ella, e inmediatamente caímos enganchados ante su magnífico segundo álbum, un ‘Epic’ que se mueve principalmente entre el folk rock con ciertos dejes introspectivos que nos remiten a nuestra querida pareja de Baltimore o al gran Kurt Vile.

La noticia ahora se sitúa en el lanzamiento de ‘Tramp’, un tercer trabajo que verá la luz el día 7 de Febrero, será publicado vía Jagjaguwar y contará con colaboraciones de lo más diverso y apetecible. Tendremos a Zach Condon de Beirut, a Matt Barrick de The Walkmen o a Jenn Wasner (mitad de Wye Oak) entre otros, y además se sabe que el disco ha sido grabado en el estudio de Aaron Dessner (The National), quizás como especulan en CoS para devolverle el favor a la chica de cuando participó en ‘Think You Can Wait’.

Para más inri, la cantautora girará además en 2012 por los Estados Unidos junto con los propios chicos de The National, The War in Drugs y Shearwater, así que parece que el próximo año puede ser muy importante para ella. Estaremos atentos.

En un momento en el que las tendencias apuntan de manera cada vez más descarada hacia los sonidos artificiales, en el que la inclusión de sonidos electrónicos está a la orden del día cuando se trata de la composición de tu nuevo álbum y en el que el productor de turno roba a menudo la personalidad de los grupos más nóveles, resulta sorprendente encontrarnos con una propuesta tan simple como la de estos jovenzuelos provenientes de uno de los hervideros de pop lo-fi más activos del mundo: la Costa Este americana, de la que también nos llegan propuestas más o menos afines como las de Julian Lynch, Beach Fossils e incluso Kurt Vile. Real Estate lo tienen claro: lo suyo es tan sencillo (y tan difícil a la vez) como tratar de encontrar el corte de pop perfecto, sin más ayuda que la de unas limpias guitarras y las cuidadas voces de Martin Courtney y Matt Modanille(del cual conviene, por cierto, revisar su proyecto en solitario, Ducktails, autor de uno de los temas más “verano” con el que nos hemos topado en mucho tiempo). El resto de piezas del conjunto que conforma este sophomore de los de New Jersey tampoco desentona: la belleza de la portada despide cierta monotonía e irradia simpleza sofisticada, en un claro guiño al patrón que corta cada una de las diez composiciones aquí contenidas. Canciones que, de entrada, suenan realmente similares, pero que empiezan a desprender matices con cada escucha que les das, creando la sensación de que nos encontramos ante un álbum más complejo, en el buen sentido de palabra, de lo que parecía a priori.

En cierto modo, “Days” (Domino / PIAS Spain, 2011) es la continuación perfecta para aquel debut homónimo que causó sensación en el continente americano y que incluso los trajo al Primavera Sound barcelonés de la mano de Pitchfork en su primera visita a nuestro país. Y lo es porque continúa el camino donde lo había dejado su predecesor sin tratar de inventar nada nuevo. Eso sí: ofreciendo unos cortes que rayan sin duda a la altura a la que lo hacían las aclamadas “Fake Blues“, “Beach Comber” o “Suburban Beverage” de hace dos años. En “Days” hay espacio para melodías juguetonas e inocentes como las que llenan los cortes más inmediatos, tal y como la inicial “Easy“, “Kinder Blumen” o esa “It’s Real” que abre con una guitarra muy del palo de unos Vampire Weekend en versión relajada e incorpora ese reverb tan de moda últimamente acompañando unos felices coros. Sin embargo, también tienen cabida canciones con desarrollos más largos como puedan ser “Out of Tune“, “Green Aisles” o, definitivamente, ese cierre con “All The Same” que justifica su elección como teloneros de algunos grupos de primera división de la escena como puedan ser Bradford Cox y sus Deerhunter o Girls.

Que estos chicos quizás no se merezcan el crédito y la expectativa de la que gozan con una carrera tan cortita es algo que pocos discutirán, pero hay que aceptar también que es algo intrínseco a la situación que atraviesa la industria musical a día de hoy: una industria que olvida rápido y encumbra a nuevas bandas todavía con mayor velocidad. Esto, de cualquier manera, no es culpa de nuestros protagonistas, pues Real Estate se dedican a crear bellas y sencillas composiciones pop sin más intención aparente que la de hacer disfrutar a un público todavía minoritario, que podría haberse encontrado con un disco que debería presentarse como la terapia perfecta para cerrar de manera definitiva este verano casi infinito que nos está tocando vivir este año.

Wild Beasts son una agrupación de cuatro chicos procedentes de un pequeño pueblo con aspecto depresivo que podría representar perfectamente la Inglaterra típicamente grisácea que se aleja y mucho, de la imagen cosmopolita de las grandes ciudades. Es por ello que no deja de ser curioso el que hayan alcanzado tal grado de popularidad en su país, llegando incluso a lograr una nominación al Mercury en 2009 por su segundo trabajo, ‘Two Dancers’.

De todas formas, no se trata ahora de poner al descubierto las evidentes virtudes de la oscura banda de Thorpe y compañía, pues llegaríamos un poco tarde a la fiesta, pero sí que aprovechamos su exitoso paso por ese festival montado en París por la gente de cierta web con base en Chicago para traer una de las que al menos desde aquí consideramos de las mejores canciones de lo que va de año, ‘Loop the Loop’, y ya de paso recomendar encarecidamente la escucha de este tercer álbum de los británicos, merece la pena.

Es posible que Kurt Vile no tenga en demasiada buena estima a nuestro país, sobretodo después de la espantada casi generalizada que se produjo coincidiendo con su actuación en el Primavera Sound de este año, debida a la disputa de la final de la UEFA Champions League en su mismo slot. Nosotros, sin embargo, lo tenemos por uno de los artistas americanos más inspirados de estos últimos tiempos, especialmente desde que dimos con ese genial ‘Smoke Ring For My Halo‘ hace ya unos meses, un trabajo que no tenemos duda que aparecerá en las listas (las nuestras al menos) de lo más destacado de este 2011.

Por si fuera poco, Kurt ha tenido a bien el publicar un EP para cerrar este maravilloso año para él en el que parece que ha empezado a ganar algo del crédito que se merece, quizás también debido al éxito de sus ex-compañeros de The War On Drugs y su ‘Slave Ambient’, otro de los grandes discos de este año. En ‘So Outta Reach’ el de Philadelphia sigue donde lo había dejado con su predecesor, y nos ofrece seis canciones que siguen moviéndose entre el intimismo folk (‘The Creature’), una pizca de psicodelia (‘Laughing Stock’) y el rock clásico, que viene representado muy acertadamente por una genial y personal versión del Boss, ‘Downbound Train’. Nuevo material para nuestro prolífico Vile, y una demostración más de que nos encontramos ante uno de los nuevos talentos musicales del continente americano, y sino al tiempo.

Dum Dum Girls son uno de los claros exponentes de esa corriente new wave americana a la que tanta bola dimos (y seguimos dando) por aquí ya desde el curso pasado. Ya saben a lo que nos referimos:Vivian Girls, La Sera, Las Robertas o nuestros enchufados Best Coast… Un conjunto de agrupaciones que más allá de compartir un característico sonido que parece haberse puesto de moda sobre todo en la costa oeste americana, tienen en común el hecho de estar formados casi en su totalidad por jóvenes chicas con un declarado gusto por la música de los 60, por el pop aparentemente luminoso y feel good veraniego y por una controlada distorsión que, a su vez, también deja en evidencia el clásico poso de influencias que incorporan: Siouxsie and The Banshees, The Jesus and Mary Chain, los Ramones… Vamos, nada nuevo en el frente. Volviendo al cuarteto que nos ocupa, cabe remarcar ese fichaje por los avispados chicos de SubPop que, inmediatamente después de comprobar el éxito que habían tenido con aquel primerizo “I Will Be” (SubPop, 2010), les echaron el lazo para un futuro próximo en el que podemos apuntar, de momento, un EP a principios de año y un segundo trabajo programado para finales de septiembre. Y es ahora cuando nos encontramos con el sophomore de las angelinas, un “Only in Dreams” (SubPop / PopStock!, 2011) en el que repite a los mandos Richard Gottehrer y cuenta con la curiosidad de haber sido grabado en los estudios del gran Josh Homme también en Los Ángeles.

No hay lugar aquí para la innovación, pues este segundo trabajo de las chicas Dum Dum dista poco (por no decir muy poco) de su debut. Ya conocemos su palo: melodías aceleradas y generalmente alegres, letras de temática principalmente amorosa y canciones más bien breves… Unas pautas que se siguen casi sin sobresaltos a lo largo de las diez canciones que componen este “Only In Dreams”. Las mejoras muestras de lo dicho vienen especialmente en los primeros cortes de la mano de la inmediatez lo-fi de “Always Looking”, de la pegadiza melodía de “Bedroom Eyes” o con la sección rítmica de “In My Head”, que la mismísima y adoradísima Bethany Cosentino firmaría para la continuación de su “Crazy for You” (Mexican Summer, 2010). El momento álgido no llega, sin embargo, hasta pasado el ecuador, cuando nos encontramos con “Coming Down”, una composición que se escapa de los parámetros en los que estas chicas se venían moviendo obedientemente desde sus inicios. Se trata de un corte notablemente más largo, de tempo más sosegado y en el que las tanto las guitarras como la voz de Dee Dee (así se llama la vocalista) rinden al máximo nivel que al menos nosotros les conocemos. No obstante, resulta curioso y hasta un poco preocupante que lo que más llame la atención de este nuevo trabajo sea aquello que rompe con el estilo que caracteriza a estas Dum Dum Girls; y es que parece evidente la falta de originalidad que empieza a afectarles, sobre todo tras el boom que este sonido ha provocado en los últimos tiempos.

“Only In Dreams” es un buen álbum, pero su principal problema reside en que en cierto momento llega a pasar desapercibido, pues cada canción parece un calco de la anterior y ello acaba desembocando en una colección de temas que se hacen bastante pesados de escuchar de continuo. De todas formas, no parece que el cuarteto vaya encontrar en dificultades en un futuro cercano, pues cuentan con el beneplácito no sólo de la crítica sino también de gran parte del público, ávido de sencillas canciones sin más pretensiones que las de hacer disfrutar durante un rato… Que, al fin y al cabo, es de lo que se trata. Sería interesante, sin embargo, que en próximas entregas el cuarteto angelino explotara más ese nuevo perfil que previamente comentamos en “Coming Down”: ganarían fieles a su causa, desde luego.

Only in Dreams en Spotify

Para FPM

El quinteto de Oregon siempre ha sido una de nuestras debilidades ya desde la época de aquel genial The Crane Wife de 2006 con el que dieron el salto de popularidad necesario para convertirse en una de las formaciones más exitosas del indie americano. Su último trabajo, The King is Dead, vio la luz a principios de este año y no tardó en acumular críticas positivas de numerosos medios de prensa. Ahora, y como si quisieran cerrar el ciclo de estos años de trabajo, pretender poner punto final a esta etapa con un EP de título perfecto como continuación: Long Live The King. Muy medievales Colin Meloy y compañía.

Lo más lógico sería pensar que estas nuevas seis canciones continúen por la rama folkie de sus inicios a la que parece que han vuelto con este último trabajo, pero de todas formas podremos salir de dudas a partir del 1 de Noviembre. Se incluirá además una versión de los Grateful Dead, de la cual tenemos además un vídeo de la interpretación en una tienda.

1 E. Watson
2 Foregone
3 Burying Davy
4 I 4 U & U 4 Me
5 Row Jimmy (Grateful Dead cover)
6 Sonnet

Es curioso el creciente interés que están acumulando las, llamémoslas, bandas instrumentales en estos últimos años, ya no sólo a nivel internacional, donde los Mogwai o los Explosions in the Sky se llevan la palma, sino también en el territorio nacional, donde recientemente han surgido bandas como Toundra que han aumentado el interés hacia este sub-género en nuestro país. Exxasens son el último fichaje de la gente de Aloud Music, discográfica barcelonesa que como probablemente sepáis también lleva a Ainara Le Gardon, a Nothink y que no suele fallar en sus apuestas. Jordi Ruíz es la cabeza pensante de este proyecto que surgió con la idea de “componer y producir canciones, sin más ayuda que un ordenador y una guitarra”, y que desde 2007 ya ha dado pie a dos trabajos: Polaris y Beyond the Universe.

Eleven Miles es su tercera referencia, la primera con Aloud y supone un paso más en su particular evolución a medio camino entre la rama más metal del género, representada por agrupaciones como Russian Circles, Pelican o los primeros Mogwai y el gusto por los sonidos más espaciales y detallistas de los irlandeses God Is An Astronaut, con los que parecen compartir un mayor número de similitudes que se hacen evidentes en los teclados de la inicial Science Will Save Us, en la homónima Eleven Miles o en nuestra favorita Nebula Seven. 

El trabajo ya se encuentra disponible en Spotify, pero si queréis estar preparados para cuando la compañía sueca vuelva a colocar el contador de diez horas podéis pasaros por la web de Aloud para comprarlo o descargarlo gratuitamente. ¡Merece la pena!

Posiblemente hayáis oído hablar algo acerca de estos cuatro escoceses a lo largo de estos dos últimos años, pues han comenzado a estar en boca de una gran cantidad de medios, sobretodo europeos y cada vez más, americanos. Su debut, These Four Walls, se movía en los mismos parámetros que lo hacían algunos contemporáneos como The Twilight Sad o los Frightened Rabbit, de los que ya hablamos por aquí: guitarras acompañando unas contudentes voces de marcadísimo acento escocés, melodías pegadizas y un importante trabajo en la batería que hacen de sus composiciones la banda sonora perfecta para atravesar un frío invierno.

In the Pit of the Stomach será el título de su segundo disco, un trabajo que si todo va como está planeado debería estar disponible a partir del 8 de Octubre en tiendas, pero que podemos disfrutar desde ya gracias al streaming que han colgado los chicos de A.V. Club. Podemos, por tanto, escuchar las diez canciones que lo componen, incluyendo la ya conocida Medicine o alguna joya del tamaño de Act on Impulse con una intro a lo tan Twilight Sad que quita la respiración. Merece la pena.

Triunfar con un disco debut en la industria musical tal y como se encuentra en la actualidad es, dentro de los pasos que tiene que dar una banda más o menos nueva, algo no diremos fácil, pero tampoco de gran dificultad. Si te las ingenias para ofrecer algo relativamente novedoso, te rodeas de la gente adecuada y te curras una promoción decente, posiblemente suene la flauta. Algo más complicado es mantener el listón en tu segundo trabajo tras haber recibido alabanzas y comparaciones a gogó. Y más difícil resulta todavía volver a atraer la atención en una tercera ocasión, sobre todo si tu disco previo dejó al público un poco frío. En esa situación se encuentran ahora los cinco chicos que conforman Clap Your Hands Say Yeah (reconozcámoslo: posiblemente cuenten con uno de los nombres más molones de los últimos tiempos). Dieron la campanada a mitades de la década pasada con un debut homónimo digno de un “best new music” que los puso en órbita no sólo en los Estados Unidos, sino también en el Reino Unido, donde incluso se colaron en las listas de ventas, algo en lo que seguro ayudaron las presencias de gente como David Bowie o David Byrne en algunos de sus conciertos. Se desinflaron dos años después con “Some Loud Thunder” (Clap Your Hands Say Yeah, 2007): una suerte de continuación al camino iniciado previamente pero que ni contaba con el factor sorpresa ni con la alegre inmediatez del debut. Este hecho, quizás junto a la presión con la que habían vivido durante esos últimos años, los llevó a tomarse un descanso indefinido, algo que muchos interpretamos como un adiós casi definitiva de una efímera banda. Nada más lejos de la realidad (y no es el único renacimiento musical que Nueva York vive este año… ¡holaThe Rapture!): Clap Your Hands anunciaron su vuelta a mediados de la primavera del año pasado y blogs de todo el mundo celebraron el primer adelanto de “Hysterical” (CYHSY Inc., 2011): un corte sencillo y resultón que nos dejó muy buen sabor de boca.

Casi cinco meses después, por fin tenemos a nuestra disposición el trabajo al completo y las sensaciones son algo contradictorias a lo que se hacía presagiar en un principio, pues la totalidad del álbum se orienta descaradamente hacia ese sonido algo facilón de ese primer single titulado “Same Mistake”. Esta repetición puede tener su aquello en los primeros momentos, pero prestar atención a los casi cincuenta minutos que componen este “Hysterical” se hace algo difícil, pues da la sensación de que nos encontremos ante la misma composición en múltiples ocasiones. La primera mitad, no obstante y a pesar de jugar con estas características, goza del gancho necesario para reclamar nuestra atención, principalmente gracias a esa “Hysterical” que da nombre al álbum o la acelerada “Maniac”, que encaja perfectamente con la particular voz de Alec Ounsworth, líder y cabeza de la banda. No se puede decir lo mismo, sin embargo, del resto del trabajo, que va avanzando sin pena ni gloria canción a canción (sirvan “Idiot”, “In a Motel” o la descriptiva “Siesta” como ejemplo), a excepción de casos aislados como “Ketamine And Ecstasy” (menudo temazo) y el alargado final que protagoniza el bonito piano de “Adams Place”.

La sensación final es que los chicos de Clap Your Hands Say Yeah se han acomodado definitivamente en un sonido que se encuentra más cercano a la medianía de “Some Loud Thunder” que a la agradable urgencia y a las melodías pegadizas de sus inicios, algo que puede pasar factura a su carrera especialmente si se tiran otros cinco años para publicar nuevo material, pues correrán el riesgo de caer en el olvido, algo muy peligroso a día de hoy con una industria que avanza de manera implacable. Y ya que hablamos del tema, su caso vendría a ser la cruz de las reuniones neoyorkinas de este curso, pues los otros implicados salvando las distancias, The Rapture, parecen haberse llevado la palma.

5.9

En Spotify

Para FPM